Après le mitigé Las Vegas 21, Robert Luketic retourne à la comédie avec L'Abominable vérité, un film réunissant l'une des stars montantes du genre (Katherine Heigl) et un acteur habitué aux grands écarts (Gerard Butler). Car au pays des comédies romantiques, il devient de plus en plus ardu de faire son trou tant elles sont légion dans le cinéma contemporain. Bien sûr elles ne manquaient pas du temps où les Billy Wilder faisaient tourner les Marilyn Monroe et autres Audrey Hepburn. Mais comment ne pas constater une recrudescence depuis que le joli minois de Hugh Grant a fait des ravages dans Quatre mariages et un enterrement, ou avant lui Richard Gere s'acoquinant auprès d'une Pretty Woman.

L'Abominable vérité n'en est pas à ce niveau-là. Cependant, même si les éternels clichés du genre s'invitent régulièrement, il dégage de ce long métrage un certain vent de fraîcheur, notamment grâce à ses deux acteurs principaux, impliqués et cabotins à souhait. Si tout est convenu d'avance, le rythme soutenu et le mordant des répliques permettent à la complicité de naître et sans mal nous embarquer dans un délire assumé plein de légèreté et d'insouciance. Parfois, on en demande pas davantage.

Plus d'infos sur ce film

• Meilleure première semaine française pour un film de Tarantino, la chasse aux nazis des Basterds attire les foules ! Le bouche à oreille et les bonnes critiques conjugués à l'aura indéniable de son réalisateur ont fait la majeure partie du travail, et on ne s'en plaindra pas.
• Le cinéma d'animation est à l'honneur cet été. Là-Haut passe la barre des trois millions d'entrées. L'un des meilleurs Pixar qu'il nous ait été donné de voir, ce n'est donc que justice ! Même chose pour L'Âge de glace 3 - Le Temps des dinosaures, encore et toujours le plus gros succès de l'année. Quant à Numéro 9, il fait une entrée plus que correcte dans le box-office, une carrière plus qu'honnête semblant l'attendre.

• La bonne presse obtenue par Les Derniers jours du monde (11ème) n'aura pas suffit à convaincre les français d'aller voir le film des ambitieux frères Larrieu. Un concept déroutant qui ne fait donc pas recette mais qui pourtant vaut le coup d'oeil.

Quentin Tarantino. Un nom qui aujourd'hui en impose. Il est loin le temps où un jeune américain travaillant dans un vidéoclub aux alentours de Los Angeles se fit connaître en vendant pour la modique somme de 10 000 $ les scénarios de True Romance et Tueurs Nés. Un cachet qui lui permit de réaliser le désormais culte Reservoir Dogs, se faisant connaître de la plus belle des manières avant que son immense talent n'explose littéralement à la face du monde entier à travers Pulp Fiction. Dorénavant, Tarantino est un personnage incontournable du paysage cinématographique mondial. Faisant preuve d'une maîtrise exemplaire dans Jackie Brown, il transcende la singularité de ses approches esthétiques avec le diptyque Kill Bill, s'imposant au passage comme l'un des plus grands directeurs d'acteurs de ces trente dernières années.

Véritable maître d'un cinéma à la fois pulp et fun dans le coeur de milliers de fans, son statut privilégié prit pourtant du plomb dans l'aile après la déception occasionnée par Boulevard de la mort qui, s'il est loin d'être désagréable, brille par le manque de caractère d'une mise en scène étrangement transparente. L'exercice de style avait beau être aussi fiévreux qu'enivrant, le premier volet du projet Grindhouse trahissait une incapacité évidente du cinéaste à se renouveler, surchargeant son oeuvre de références au point de flirter dangereusement et pour la première fois avec la parodie. Peut-être était-ce là le signe avant-coureur d'un manque d'humilité soudain (Tarantino n'hésitant pas à s'auto-référencer à plusieurs reprises), toujours est-il que l'on attendait de pied ferme le prochain film du réalisateur avec ce léger frisson électrisant notre échine causé par la peur d'assister au triste spectacle d'un génie en pleine perdition artistique. A cette inquiétude, Inglourious Basterds répond avec panache : on espérait un film coup-de-poing, mais c'est un missile nucléaire qu'on se prend en pleine tronche. Et oui, papa est de retour à la maison...

Each and every man under my command owes me one hundred Nazi scalps... and I want my scalps !

What a tremendously hostile world that a rat must endure. Yet not only does he survive, he thrives. Because our little foe has an instinct for survival and preservation second to none... And that Monsieur is what a Jew shares with a rat.

Pourtant, Inglourious Basterds n'a aucunement l'ambition de nourrir des velléités de réalisme historique, sa conclusion prouvant très clairement que l'intention n'est pas de faire un film respectant l'Histoire, mais de montrer que l'Histoire peut être manipulée par un film. C'est une force, en aucun cas une limite, et sa pleine exploitation donne un souffle à la fois épique et une dimension jubilatoire qui fait la nature-même du cinéma quand la réalité, elle, se veut bien moins complaisante. Il n'est d'ailleurs pas innocent que ce personnage si important qu'incarne Mélanie Laurent, la vengeresse Shosanna Dreyfus, dirige elle-même un établissement cinématographique. S'il nous avait habitué à mener moult réflexions au coeur des dialogues, en revanche Tarantino nous surprend à théoriser aussi finement et sérieusement sur l'essence du cinéma, preuve que sa dernière production apparait comme celle de la maturité ou, tout simplement, comme sa plus belle déclaration d'amour au cinéma.

C'est peut-être pour cela que ce Tarantino est différent des autres et en laissera plus d'un dans l'expectative. La cool attitude, inhérente aux recettes concoctées depuis dix-sept ans maintenant par le cinéaste, n'est plus l'artéfact du navire. Au contraire, Quentin nous emmène sur d'autres rives que celles sur lesquelles nous pensions voguer. Avec un titre et des références pareilles (Une Poignée de salopards étant le modèle qui servit de coque), c'est un bâtiment de guerre que l'on pouvait envisager. Surtout quand il est question d'un groupe de soldats américains juifs décidant de s'offrir les scalps des nazis qui auront le malheur de croiser leur route. Et pourtant, la surprise est de taille quand au final le groupe de mercenaires dirigé par Aldo Raine (Brad Pitt, impérial) passe au second plan. Leur présence à l'écran est très limitée, puisque les personnages principaux sont sans conteste Hans et Shosanna. De plus, le ton du film abroge une coloration insidieusement comique, le sérieux et la vraisemblance n'étant pas le souci premier de Tarantino (il faut entendre Brad Pitt parler italien dans un contexte explosif pour s'en convaincre et, surtout, pour en rire !)

C'est donc à Mélanie Laurent que revient la charge de remplacer dans le coeur des cinéphiles Uma Thurman, et le moins que l'on puisse dire, c'est qu'elle s'en sort avec les honneurs même si tout n'est pas rose. A commencer par la relation qu'elle entretient avec Marcel (Jean-Jacques Ido), aussi sommaire qu'inutile. Le malaise de son personnage à ne pas réussir à suivre la conversation des personnages allemands au cours du troisième chapitre se traduit par un haussement de sourcils malencontreusement maladroit parce qu'exagéré. Un exemple parmi d'autres où l'on sent la jeune femme davantage spectatrice qu'interprète, mais qui est très largement pardonnée grâce à sa prestation somptueuse durant le dénouement final. Elle n'est d'ailleurs pas le seul personnage qui déçoit, puisqu'ici Martin Wuttke se cantonne à évoquer une image très convenue d'Adolf Hitler, et Mike Myers semble incapable de se dépêtrer des mimiques faciales maintes fois vues dans la trilogie Austin Powers.

Tout cela au final parait bien peu comparé à l'incroyable assurance que dégage Inglourious Basterds, assurément le film le plus abouti de Tarantino, le plus élaboré, le plus maîtrisé à ce jour. Sans oublier comme souvent chez lui une capacité à magnifier l'excellence, notamment pour ses choix musicaux, le Cat Power de Bowie conférant à Mélanie Laurent un sex appeal quintuplé, ou encore Un Amico d'Ennio Morricone afin d'immortaliser l'écueil de sa vendetta. Tendre l'oreille et prêter attention au travail accompli sur la bande sonore est un délice, les moindres bruitages ayant fait l'objet d'une grande attention qui n'est pas pour nous déplaire. De quoi clore une liste non exhaustive des qualités qui font d'Inglourious Basterds l'un des meilleurs films de l'année.

We punch those goons out, take their machine guns, and burst in there blasting !

Plus d'infos sur ce film

Belle année pour le cinéma d'animation qui vit actuellement l'un de ses plus beaux moments, et ce n'est pas ce Numéro 9 qui nous fera démentir.

Bien plus sombre encore que Coraline, plus adulte aussi, la première réalisation de Shane Acker utilise l'angoisse de voir se soulever la création contre son créateur en s'éloignant des clivages explorés par ses illustres aînés. Loin de la profondeur philosophique d'un Matrix ou de l'âpreté palpitante d'un Terminator, le film se veut avant tout prétexte à montrer l'homme tel qu'il est à travers la machine, Acker conférant à ses figurines une humanité à la fois sincère et troublante. La noirceur de l'esthétique fait également sa grande beauté en plus de son étrange originalité, la dualité explorée étant à la fois signe d'innovation et d'ambition.

Incroyablement dynamique, le récit défile à toute berzingue, les séquences d'action anthologiques ne laissant à aucun moment le temps de bailler. C'est peut-être là sa seule faiblesse, l'ensemble nous apparaissant au final un rien trop court, la tension étant extrême dès les premiers instants. Mais le souffle épique insufflé à l'oeuvre ne suffit pas à faire oublier que l'intrigue aurait gagné à être davantage imprégnée de lyrisme. On parviendra néanmoins à excuser ce léger travers, l'univers graphique étant particulièrement saisissant, se dotant qui plus est de jolies trouvailles. Un petit bijou qui fera date, d'autant qu'on ne l'attendait pas à ce niveau-là.

Plus d'infos sur ce film

Le titre de Memory of Love est merveilleusement bien choisi au regard de ce que le film raconte. L'histoire d'un chirurgien découvrant l'infidélité de sa jeune épouse après que celle-ci ait été victime d'un grave accident de voiture en compagnie de son amant. Le violent choc subi causa son amnésie, lui faisant oublier les trois dernières années vécues, en un temps où le couple coulait des jours heureux. Dès lors, il sera à sa charge de l'aider à se souvenir, sachant que chaque pas qui la rapproche de la guérison la rapproche également du souvenir de cet autre homme qu'elle a depuis occulté.

Travailler au corps la fragilité de l'amour est un thème particulièrement mélancolique lorsqu'il est associé à l'idée de destin. En témoigne le méconnu If Only de Maria Ripoll, où déjà un homme constatait que l'être aimé devait inexorablement s'éloigner de lui d'une manière ou d'une autre. Ici, point de pouvoir magique permettant de remonter le temps, seulement l'amnésie en guise de Tour de Babel. Le mari bafoué l'escalade cette fois prudemment, cherchant à ne pas commettre les erreurs qui ont poussé la femme qu'il aime à s'éloigner de lui, pourtant parfaitement conscient que l'aider à guérir c'est prendre le risque de la perdre à nouveau. Il fallait donc une sensibilité et une délicatesse intensément voluptueuses pour réussir à viser juste, ce que Wang Chao parvient sans peine à réaliser. Évitant très judicieusement l'écueil du triangle amoureux, le cinéaste chinois se concentre sur les liens affectifs qui unissent les deux protagonistes, dévoilant peu à peu les fêlures d'un miroir qui reflète un bonheur utopique. Bonheur qui paraissait de prime abord être l'entrée d'un mélodrame centrée sur l'esquisse d'un milieu social. Or, peu à peu, le film prend son envol tandis qu'il perd en lourdeur pour enfin trouver une justesse salvatrice dans sa seconde moitié.

Plus d'infos sur ce film

Il est rare d'être à ce point désarçonné et à aucun moment n'être submergé par la nausée. Les Derniers jours du monde ont l'étrange qualité, à la fois fascinante et dérangeante, de mettre le corps des rationalités à nu. Plus qu'une simple déconvenue face à la singularité excentrique des plasticités les plus incongrues, les frères Larrieu parviennent à faire tomber avec une facilité déconcertante les barrières de la pratique cartésienne, leur oeuvre atteignant une indépendance indéniable en écartant les clivages génériques pour devenir une anomalie filmique incroyablement pénétrante.

Le prévisible devient un totem à la fois tabou et onirique, à l'image de cette aventure aussi tragique que romantique qui amène Mathieu Amalric à jongler entre passé et présent pour cesser de fantasmer les raisons passionnelles ayant plongé sa vie dans les abysses les plus tourmentées, alors que le monde autour de lui s'écroule et lentement se dissout. A la recherche de réponses, il se meut à contresens dans une quête improbable tandis qu'ami et amantes rappellent chacun à leur manière que tout ici n'est qu'absurde. Une conception théorique qu'un Nietzsche n'aurait pas ignoré en rédigeant son fameux Gai Savoir. Preuve en est que si l'on est emporté par la portée métaphysique du récit plutôt que son caractère romanesque, on ne peut nier qu'être dans cet autre monde n'est pas l'unique raison qui nous pousse à méditer des heures durant sur l'expérience immensément opaque que nous venons de vivre.

Plus d'infos sur ce film

Le casting n'inspirait déjà pas confiance : en effet, lorsque Kate Hudson ou Dane Cook occupent l'un des rôles principaux, cela n'augure définitivement rien de bon. Après visionnage, il s'avère que nos appréhensions concernant La Copine de mon meilleur ami étaient fondées. Le plus gênant est que cela ne nous surprendra même pas.

Voyez le tableau : quand les hommes sont sur le point de se faire larguer par leur petite amie, ils font appel à Tank, véritable anticupidon par excellence, dont la technique "apparemment" infaillible consiste à séduire puis écoeurer les jeunes demoiselles au point de les faire ramper manu militari vers leur ancien conjoint. "Apparemment" car le jour où le meilleur ami de Tank a besoin de son aide, ce dernier devient la proie de sentiments qu'il n'envisageait guère jusqu'à ce que son regard se perde dans la longue chevelure soyeuse d'Alexis.

Si vous pensiez déjà le synopsis hautement risible, soyez rassurés, c'est que vous n'avez pas encore vu le résultat à l'écran. Les inepties et autres grossièretés s'enquillent aussi promptement que le scénario écume moult poncifs sur les rapports qu'entretiennent hommes et femmes. Si l'on a bien compris que chiens et chats ne font pas de canaris ensemble, Howard Deutch aurait pu rendre le constat un rien plus troublant en évitant de systématiser chaque rebondissement avec la mauvaise idée de les rendre aussi prévisibles les uns les autres. Aucun risque n'est pris pour tenter de sortir des gongs de la comédie typique et ultraconsensuelle, expliquant de ce fait qu'aucun risque ne mérite d'être pris par le spectateur sauf si son temps est aussi peu précieux que son argent.

Plus d'infos sur ce film

• Là-haut continue de planer. La qualité il faut dire est au rendez-vous, et l'on pourrait s'étonner de ne pas voir la dernière merveille des studios Pixar faire jeu égal avec les plus gros succès de l'année.
• Belle entrée en matière pour Neuilly sa mère ! qui convainc 432 722 d'entre vous. Même quand on vote UMP, on coz djeun's après tout, et c'est peut-être un ressort comique à exploiter avec autant de finesse que de sagesse. Ou pas.
• Harry Potter et le Prince de sang mêlé et L'Âge de glace 3 - Le Temps des dinosaures n'en finissent plus d'exploser les records d'affluence, se posant plus que jamais comme les plus gros succès de l'année.
• Score honorable pour le film Partir, d'autant que le film de de Catherine Corsini ne dispose pas du même nombre de copies que ses concurrents américains. Preuve en est que parfois le cinéma français peut rivaliser avec l'Oncle Sam.

• 36 603 spectateurs et une douzième place pour Lili la petite sorcière, le dragon et le livre magique. Pas de quoi incanter un Collaporta même si l'Avada Kedavra n'est pas loin.
• Demain dès l'aube... n'intéresse pas grandement non plus, atterrissant à la seizième place avec ses 27 816 fauteuils occupés. Déjà le crépuscule qui se profile avant l'aurore, en somme.
• Le four de la semaine, on le doit à L'An 1 : des débuts difficiles. Un titre prémonitoire puisqu'avec seulement 92 copies sur le sol français, difficile de faire mieux que sa dix-septième place et ses 24 954 spectateurs.
• Qu'il s'agisse de Joueuse (14ème) ou Little New York (20ème), le score après deux semaines d'exploitation est loin d'être réjouissant. Cela dit, ces deux films ont réussi à se maintenir dans le Top 20, et il y a des milliers de films qui ne peuvent en dire autant.

Bouleversante histoire où tout se joue dès les premières secondes, alors que le regard déjà vidé de son ossature passionnelle devient lourd de sens. Puis les corps prennent le relais, puissants et armés à faire front face à l'être jadis aimé, suppléés par cette densité émotionnelle de tous les instants, à la fois frémissante et voluptueuse, parce que quitter quelqu'un peut parfois être plus poignant que de le laisser partir.

Kristin Scott Thomas ne le sait que trop bien. Parce qu'elle a un jour croisé le regard de Sergi López, elle n'hésite pas à quitter Yvan Attal et la vie sereine et apaisée qu'il lui apportait pour se laisser consumer par les flammes de l'exaltation, l'ivresse d'une nouvelle vie amoureuse apportant un second souffle à cette femme étouffée par le bonheur. Les fièvres du coeur ne s'expliquent pas, et Catherine Corsini a la merveilleuse idée de ne surtout pas aller contre cette nécessité. Elle travaille sans relâche les tourmentes assassines d'un amour impossible, imprégnant sur la pellicule une tension palpable jusqu'au finale hélas prévisible mais n'égratignant en rien l'armature tragique qui fait de Partir une oeuvre aussi sensible que douloureuse.

Plus d'infos sur ce film

Il y a les intentions, et il y a le résultat. Louables sont les premières, décevant sinon horripilant est le second. Le scénario élabore deux pistes majeures et loin d'être insipides : l'histoire de deux frères, deux âmes noyées par la complexité de leurs propres tourments, l'un parce qu'il a tout sacrifié pour la musique au point de laisser femme et enfant sur le bord de la route, l'autre fuyant son incapacité à affronter la vie dans un jeu de rôle où résonnent passion pour l'Histoire et excitation que le quotidien ne lui offre pas. Quand le premier tente de se retrouver en se perdant dans l'univers du second, sont mis en abîme les liens fraternels et la langueur d'une descente aux enfers prometteuse.

Las, comment ne pas se révolter si la base-même du scénario trouve son pilier dans l'un des clichés les plus persistants de ces trente dernières années, Demain dès l'aube n'hésitant pas à présenter les rôlistes comme de grands malades inquiétants et inquiétés. Ou est la notion de jeu dans tout cela ? Une fois encore, le réalisateur-scénariste Denis Dercourt choisit la solution de la facilité et laisse à penser qu'il est plus aisé de suivre le mouvement d'une opinion commune plutôt que de s'y confronter pour la mettre à l'épreuve. L'on aurait pu passer sur ce sérieux problème si la toile psychologique qu'il tisse entre ses personnages avait une une réelle densité, or la tendance à ne pas mener à terme ses réflexions est trop récurrente pour ne pas être ignorée. Difficile dès lors de croire à cette spirale infernale qui aboutit à une vengeance aussi futile que malhabile, d'autant que l'intérêt au final n'était franchement pas là où Dercourt nous entraîne.

On en vient à penser que le cinéaste s'appuie uniquement et malheureusement sur l'interprétation convaincante de Vincent Perez et Jérémie Renier, tout deux au diapason dans une oeuvre frôlant les frontières du thriller sans jamais oser y basculer pleinement. C'est ce manque de parti pris qui fait bien mal les choses.

Plus d'infos sur ce film

Est-ce la folie qui ici est illustrée durant 1H40 alors que visions cauchemardesques bousculent réalités platoniques ? Est-ce l'obsession qui ici est disséquée à travers le malaise d'une femme pas tout à fait accomplie, abandonnée quotidiennement par son mari ? Pourtant impénétrable, Sandrine Bonnaire se construit peu à peu sous nos yeux, la carapace de la superficialité latente faisant loi dans une vie dogmatisée par des principes éthérés perdant de sa substance au gré d'une passion dévorante.

Ce combat contre le quotidien et le cadre que l'on s'impose, elle le mène sur l'échiquier, Caroline Bottaro ne perdant pas une miette des moindres frémissements du visage de son amazone, sa mise en scène épousant l'indicible épanouissement qui trouve sa source dans la fuite d'un quotidien étriqué. Peu de plans s'intéresse au jeu, la cinéaste capturant les émotions au risque de considérablement se répéter. Car si le chrysalide prend délicatement forme, la fascination de la nymphe partagée par son marionnettiste devient omniprésente et restreint l'intérêt d'une réalisation qui pêche par son conventionnalisme quand un cadrage plus resserré aurait pu permettre de matérialiser l'étouffement pourtant revendiqué. Cette retenue trahit les intentions grossières d'une métaphore sur un jeu amoureux perdant dès lors de sa superbe.

Plus d'infos sur ce film

Un plan rassemble ces trois hommes et révèle à lui-seul le dessein d'un récit jouxtant métaphore et désespoir. Ce plan, commun à une quête de sens tissant et entremêlant ces trois destins liés dans l'adversité, c'est celui de Manhattan. Il représente cette ambition partagée de s'émanciper des voies tracées dans une médiocrité relative qui n'est pour aucun de leur goût. Qu'il s'agisse d'Ethan Hawke, humble vidangeur de fosses septiques, prêt à commettre l'irréparable pour assurer l'avenir du bébé que sa femme va mettre au monde au prix de son âme, ou Seymour Cassel, désireux de racheter la sienne parce que la mafia locale n'en finit plus de s'essuyer les pieds dessus en l'obligeant à découper du macchabée dans son arrière-boutique, ou encore Vincent D'Onofrio, chef de la-dite organisation, désireux de devenir le parrain de Staten Island, tous sont accablés par la fatalité. Tous veulent y remédier. Quitte à se priver du peu d'ataraxie dont ils souffrent.

A la baguette, le scénariste James De Monaco qui signe là son premier long. Il y a une ambition certaine quant aux sujets abordés au gré des errements chaotiques des personnages principaux, et l'on ne peut que se réjouir devant un tel travail d'orfèvre tant son sens du cadrage est lourd de sens, ses plans soignés et la tenue dramatique exemplaire. Il manque au final un rien de personnalité dans la mise en scène qui brille davantage pour sa vacuité démonstrative que pour son génie, tant les risques sont minimes et l'originalité absente. C'est ce surplus de grâce qui fait de cinéastes comme Tarantino des maîtres de la comédie noire, car si tout ici paraît pleinement maîtrisé, il n'en demeure pas moins que l'ensemble manque de tempérament. Les trois acteurs pourtant s'avèrent particulièrement brillants et permettent à ce polar urbain de jouir d'une solide interprétation qui donne à oublier qu'ici les codes ne sont que trop bien respectés.

Plus d'infos sur ce film

Titre trompeur car moteur supposé de l'action, Soie n'est pas tant le combat d'un homme pour sauver son village que le triangle amoureux qui d'apparence s'ignore duquel il est la pierre angulaire, entre hésitations, passions, et convenance.

Nous sommes au début des années 1860, et une maladie ravage les élevages européens de vers de soie, condamnant une industrie jusque là fleurissante. Hervé Joncour (Michael Pitt) est chargé de se rendre au Japon, alors fermé aux étrangers, pour y acheter au péril de sa vie des oeufs sains afin de produire, dit-on, la plus belle soie du monde. Il laisse de ce fait derrière lui la jeune et belle Hélène (Keira Knightley), femme dont il est amoureux et qu'il épousera.

Dès le premier plan, le cinéaste François Girard déporte notre attention sur le véritable enjeu de son film, surlignant une recherche esthétique pleine de beauté incandescente et de poésie, avec cette approche picturale qui transcende les errances amoureuses du jeune homme. La narration est alors abandonnée au profit de la contemplation, prenant dès lors le risque d'entraîner le spectateur dans un torrent d'ennuis aux longues attentes rarement satisfaites. Ce qui aurait mérité davantage d'attention est à peine esquissé, qu'il s'agisse des sentiments de notre aventurier pour cette troublante japonaise (Sei Ashina) à la présence aussi magnétique qu'insaisissable, ou encore les dangers qui le menacent lors de son long voyage vers le pays du soleil levant.

L'on sent alors un réalisateur uniquement intéressé par la sensualité que dégagent des séquences où la caméra caresse corps et décors, s'attardant sur les moindres détails visuels et sonores afin de préserver cette candeur enivrée de romantisme. Si le scénario est en grande partie fidèle au roman dont il tire sa grâce, il aurait été préférable de lui apporter une densité et une profondeur salutaires, à commencer par les seconds rôles.

Plus d'infos sur ce film

Un an après la diffusion du premier trailer, New York, I Love You se dévoile à nouveau sur la toile pour notre plus grand bonheur.