• Jean Dujardin continue d'engranger les billets. Son OSS 117 : Rio ne répond plus caracole en tête du box office et permet au second opus d'une trilogie annoncée de dépasser le million et demi d'entrées. Heureusement que le public n'est pas très regardant sur la qualité des suites de succès !
• Presque 500 000 spectateurs pour 17 ans encore, c'est un très bon démarrage. Cela permet en tout cas à Zac Efron et Matthew Perry de devancer Audrey Tautou d'une courte tête, qui réussit à réunir avec Coco avant Chanel presque autant de français derrière les écrans.
• Dans la série "On continue de remplir les salles", Safari, Monstres contre Aliens, La Première étoile, Prédictions et Fast & Furious 4 se posent là. Sortis depuis trois à cinq semaines, ces films restent scotchés aux dix premières places comme le morpion sur la blonde. Oui, je sais. C'est méchant. Justement.
• Un cran en dessous mais toujours là, Dans la brume électrique et Ponyo sur la falaise font leur bonhomme de route. Avec plus de 500 000 spectateurs chacun, contrat rempli pour deux films dont on ne pouvait espérer davantage en si peu de temps.

• Celle que j'aime débute timidement, et atterrit à la onzième place du box office avec 114 079 amoureux transis. Si vous vous demandiez "Elie Chourre à qui les sous pour faire une bouse ?", la réponse est "A des oufs".
• Autre four, La Dernière maison sur la gauche et ses 54 070 hurleurs dans le noir, un énième remake d'un film de Wes Craven. La barbe Wes Craven. La tête de noeud qui a bousillé le film d'horreur dans les années 90 en l'infantilisant avec sa série des Scream, il pourrait aller se faire charcuter par Jason et planter par Freddy qu'au mieux on allumerait un cierge pour compatir.
• 18ème, 40 178 spectateurs. C'est le résultat de la bombe qu'est Still Walking. Cela se passe de commentaires. Ah si, juste un mot : bande de nazes (pas vous, les exploitants : 54 salles de cinéma le diffusant en France, c'est une honte)
• Malgré le nombre de copies, Villa Amalia ne décolle pas, et s'enterre gentillement vers les limbes de l'oubli. 228 271 spectateurs en trois semaines, c'est relativement modeste pour un film encencé par la critique. Méchante la critique !

Premier film d'une longue série annoncée revenant sur les prémices de la saga X-Men, X-Men Origins : Wolverine s'intéresse au passé trouble de James Howlett, plus connu sous le nom Logan / Wolverine (ou Serval, pour une poignée d'entre nous). De son enfance où il découvrit son statut de mutant aux décennies qu'il traversa sans que le temps n'ait la moindre emprise sur lui (pouvoir de régénération oblige), le film s'attarde à nous raconter l'intégration du mauvais garçon au programme militaire "Arme X", dirigé par William Stryker (le même William Stryker interprété par Brian Cox dans X-Men 2, ici incarné par Danny Huston), afin de limer les griffes de son frère Victor Creed, alias Dents-de-sabre, un mutant disposant des mêmes pouvoirs de régénération que lui. Victor ayant tué la seule femme qui soit accro aux poils bestials, le désir de vengeance chez Logan démange autant qu'une armée de puces campant le dos d'un loup sauvage.

Premier soulèvement de sourcil : Wolverine et Dents-de-sabre, frangins ? Pourquoi pas. En tout cas, cela ne dérange guère si l'on fait l'impasse sur le comic book et malgré la non-évocation du lien fraternel dans X-Men premier du nom. Mieux encore, le long métrage s'en trouve dynamisé tant les raisons de la rancoeur pour l'un nous amènent à des confrontations spectaculaires avec l'autre. C'est pourtant là la seule trahison aux comics et à la trilogie instaurée brillamment par Bryan Singer qui soit acceptable, quelque soit le point de vue que l'on arbore. Parce qu'il y a deux façons d'aborder cet X-Men Origins : Wolverine, et dans les deux cas, le spectateur n'en ressortira pas gagnant.

"I'm coming for blood, no code of conduct, no law."

"Victor Creed : Do you even know how to kill me?
Logan : I'm gonna cut your God damn head off. See if that works."

"If I learned anything about life, it's this : always play the hand your dealt."

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S'il ne prétend pas tenter de réhabiliter le drame familial au sein du cinéma japonais, le réalisateur Hirokazu Kore-Eda n'en a pas moins réussi à lier avec magnificence les thèmes de la famille, de la tragédie et du deuil dans Still Walking, oeuvre à la fois crépusculaire et solaire dont les qualités esthétiques et lyriques sont emprunts d'une grâce et d'une subtilité sans nul autre pareil.

Parce qu'il est un cinéaste qui sait mieux que personne raconter des personnages livrés à l'abandon, parce qu'il est un formidable peintre des tourments les envahissant en filmant ceux qui restent après la disparition, Kore-Eda s'inspire du sommeil éternel dans lequel sa mère est plongée pour nous narrer l'histoire d'une famille se réunissant chaque année un jour d'été à Yokohama afin de commémorer la mort du fils aîné. Ce dernier est décédé en tentant de sauver un jeune enfant de la noyade quinze ans plus tôt. Déjà quinze longues années que cette famille se réunit sans relâche, arpentant ensemble le long et douloureux chemin des souvenirs, poussant le vice jusqu'à inviter ce jeune garçon devenu un homme entre temps. Et pourtant, au delà des traditions d'un Japon presque evanescent qui se perd dans les limbes du temps, au delà des souffrances qui soudent les âmes entre elles et forgent la mémoire, Still Walking parle d'une famille éclatée où aigreur, colère et rancoeur se marient avec silence, culpabilité, eurythmie et amour.

Avec une délicatesse extrême, Kore-Eda tel un impressionniste opère par petites touches pour donner corps à chaque membre de cette famille. Le portrait qu'il fait de chacun est une merveille de sensibilité où chaque plan trouve une force et une intensité que l'on n'avait plus vu depuis Ozu et Naruse.

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• On s'en était évidemment douté, OSS 117 : Rio ne répond plus cartonne et se paie le luxe de dépasser le million d'entrées dès sa première semaine d'exploitation et de faire mieux que le premier opus dans le même laps de temps. Question du jour : qui de Coco ou d'OSS 117 : Rio ne répond plus sera le carton du printemps dans la catégorie "comédie française" ?
• Malgré une baisse de fréquentation de 59%, Fast and Furious 4 continue sa route pied au plancher et entraîne dans son sillage pas loin d'un million et demi de cinéphiles en deux semaines. Seconde question du jour : quelle est la carrosserie qui attire autant de monde en salles, d'après vous ?
• Autre belle continuation, Safari et ses 366 252 nouveaux explorateurs de la faune et de la flore africaine. Bizarre tout de même, je ne pense pas que j'aurai choisi Kad Merad comme guide là-bas, sauf si c'est pour éviter de me faire bouffer les fesses par un lion. Car n'oubliez jamais, il y a une règle d'or que tout rôliste connait par coeur : quand on a une bestiole au cul qui veut savoir quel goût vous avez, l'important n'est pas de courir plus vite que le monstre, l'important c'est de courir plus vite que vos potes. A méditer.
• Jolie entrée en matière pour Dans la brume électrique, une oeuvre solaire malgré son titre tant Tavernier a su s'imprégner de l'ambiance si particulière du livre et de la Louisiane. Electrisant !
• Si La Première étoile et Prédictions ont réussi à dépasser le million d'entrées, Monstres contre Aliens n'en est plus très loin et devrait sans problème réaliser cette performance dans la semaine qui vient. Qui a dit qu'on avait peur de l'inconnu, d'abord ?

• Villa Amalia et Chéri ne décollent toujours pas. Après deux semaines à occuper les écrans de cinéma, le premier échoue à la treizième place du classement avec un total de 188 513 spectateurs, le second est seizième pour un total de 140 656 spectateurs. Vu le peu de salles exploitant ces films en France (respectivement 146 et 144), rien de vraiment surprenant.
• Présent depuis trois semaines, Dragonball Evolution lui n'a engrangé que 307 260 otakus. Au regard du nombre de fans du manga d'Akira Toriyama, la tollé est immense. Bien fait !
• Le bide de la semaine, c'est sans conteste à Rachel se marie qu'on le doit. Quoique, avec seulement 32 salles (!) exploitant le dernier bébé de Jonathan Demme, peut-on concrètement parler d'un bide ? Il n'empêche qu'avec seulement 25 792 fauteuils occupés et une vingtième place au box-office, Rachel n'aura certainement pas suffisamment de sous pour financer le divorce. Qui s'en plaindra ?

Effet "La Môme" oblige, les biopics se succèdent et aucun ne se ressemble. Coco avant Chanel ne déroge pas à la règle car il a la particularité d'aborder l'histoire de la femme moderne avant sa naissance de manière peu conventionnelle dans la mesure où avant d'être une biographie sur la célèbre Coco Chanel, le long métrage est avant tout un thriller sentimental où se dessinent les premiers émois d'une grande dame encore en devenir.

A la rigueur biographique et à la recherche esthétique formelle, la réalisatrice Anne Fontaine privilégie une approche rigoureusement académique teintée de romantisme dont le cristal de satin raisonne de fragilité avec la spontanéité et la délicatesse d'Audrey Tautou. Sa mise en scène non dénuée d'élégance offre à l'actrice un écrin resplendissant subjuguant un Benoît Poelvoorde aux antipodes de ses rôles passés. Jamais l'acteur n'avait paru autant habité qu'ici, et le voir nager en des eaux moins troubles que la bouffonnerie le caractérisant depuis de nombreuses années convainc et impressionne tout autant. Pourtant, le lyrisme exacerbé émanant de cette oeuvre solidement encrée dans un début de XXème siècle à la fois synonyme de Belle Epoque et de moeurs préhistoriques n'arrive pas à endiguer le manque d'ampleur de l'entreprise. Si l'on comprend la motivation de Fontaine à vouloir montrer par à-coup les évènements et l'environnement qui ont forgé Gabrielle en Coco, on ne peut que regretter le choix de la cinéaste à focaliser son récit sur l'avant-Coco Chanel au point d'éluder le fait qu'elle fut ensuite une femme au tempérament volcanique qui nous rierait au nez si jamais, encore vivante à ce jour, on lui parlerait des 35H.

En somme un film souffrant du même problème que Coluche : l'histoire d'un mec, celui de ne pas nous montrer le plus intéressant de la vie d'une légende, et d'oublier qu'un mythe ne se crée pas uniquement dans son intimité mais aussi dans ses folies et ses grandeurs. Si l'on ne s'ennuie pas, on aurait aimé un portrait plus étoffé et une approche moins étouffée du symbole de la femme libérée. Rien que ça.

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Attention, sujet brûlant : et si l'on avait l'opportunité de revenir à l'âge des premiers choix, et par adéquation, des premières erreurs, que ferait-on ? Que changerions-nous ? Sujet brûlant parce que tout simplement sur toutes les lèvres : il n'est nul besoin d'être emprunt de nostalgie au quotidien pour se poser la sempiternelle question du "Et si..?".

Matthew Perry, lui, se la pose depuis 20 ans. Alors que tout lui souriait et qu'une bourse pour la fac lui tendait les bras grâce à son talent de basketteur, Matt' décida de tout plaquer pour s'occuper de sa petite amie tombée enceinte. Quel homme ! Assumer ses responsabilités est louable. Sauf que le regret l'étouffe. "Si je ne t'avais pas rencontré [..]" qu'il l'assomme sans cesse. Logique qu'après deux enfants et une patience mise à rude épreuve, la dame demande fissa le divorce, et Matt' de regretter le présent autant que le passé. Un coup de baguette magique plus tard, en voulant secourir un p'tit vieux suicidaire (Brian Doyle-Murray, le Noah Vanderhoff de Wayne's World !), le voilà de nouveau jeune et fringuant, sous les traits de Zac Efron. Ni une ni deux, il voit cette sorcellerie comme une chance de repartir du bon pied. Le hic ? Ne pas avoir fait un bond dans le temps, car c'est à l'époque de ses 37 ans qu'il en a de nouveau 17 ! Le double effet Kiss Cool ? Se rendre compte en fréquentant le même lycée qu'eux que ses enfants sont loin d'être ce qu'il imaginait. Plus qu'une chose à faire pour Matthew/Zac : leur venir en aide avec son nouveau/ancien visage.

On l'aura compris, le scénario de 17 ans encore ne brille pas par son originalité mais il occasionne des situations forcément drôles nous poussant à plonger dans cette aventure qu'un Marty McFly ne se refuserait pas. Plusieurs films ont déjà tenté un voyage similaire sans DeLorean sous le bras, avec plus ou moins de réussite : on citera le plaisant 30 ans sinon rien, et (surtout) le bouleversant If Only pour exemples.

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Elie Chouraqui est un homme de passions. Contrairement aux égoïstes et aux cultivateurs de jardins secrets, il aime à partager ses coups de coeur. Le dernier semble trouver ses racines dans la beauté émanant de la sublime Barbara Schulz, tant Celle que j'aime (titre révélateur ?) insiste sur les scènes de nudité de la belle. De là à virer à la déclaration d'amour, il n'y a qu'un pas. Mais que reste-t-il au final pour le spectateur ? Pas grand chose, hélas.

S'il est plaisant de voir une ravissante jeune femme se montrer libérée et au-dessus de tout concept de moeurs (après tout, toutes les mamans devraient se ballader sans soutif devant leurs enfants, c'est dans l'air du temps, faut croire), il est en revanche moins plaisant de suivre un récit bourré de clichés sur le thème en vogue de la famille recomposée. Difficile de croire à une histoire de chérubin capricieux menant la vie dure à son futur beau-père quand le beau-père en question facilite la tâche du jeune garçon en tendant à chaque fois le bâton qui servira à le battre. De quoi rendre Oedipe vert de jalousie. On veut bien croire à l'amour, le vrai, mais de là à danser avec le diable au clair de lune pour une hystérique négligeant les tenants inhérents aux aboutissants, il y a de quoi concurrencer Le Penseur de Rodin en matière de perplexité. Bref, le problème étant que les personnages sonnent horriblement faux, tout aussi sympathique que cette comédie soit.

Trop naïve, la démarche de Chouraqui aurait gagné à aborder avec moins de légèreté les rapports entre les protagonistes. Sa mise en scène est atteinte du même syndrôme, même s'il est moins rebutant de suivre la caméra virevolter à travers les décors urbains. Certains plans bénificient d'une très belle composition et permettent au film de trouver une esthétique relativement séduisante, mais c'est se satisfaire de bien peu quand tout le reste apparaît comme brouillon et poussif.

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Bertrand Tavernier est aujourd'hui reconnu comme l'un des plus grands cinéastes français contemporains.
On se souviendra à cette occasion que sa carrière brillante de cinéaste vint à la suite de celle d'un cinéphile professionnel qui officia comme journaliste dans les années 60 dans des publications comme "Les Cahiers du Cinéma" ou" Positif" et qui fut l'auteur d'un certain nombre d'oeuvres littéraires dont le sujet est principalement le cinéma américain (50 ans de cinéma américain, en collaboration avec Jean-Pierre Coursodon, étant d'ailleurs souvent cité comme la "bible" française sur le sujet).
Le nouveau film de ce spécialiste du cinéma américain fait ainsi figure de véritable passage à l'acte.
En mettant en scène l'une des enquêtes d'un des plus fameux héros du roman policier américain contemporain, Dave Robicheaux, il réalise ainsi son premier film outre-atlantique dans le paysage spécifique de la Nouvelle Orléans actuelle.
Robicheaux est le personnage principal de 17 romans de l'écrivain James Lee Burke dont Heaven's Prisoners qui fut adapté à l'écran en 1996 par le réalisateur Phil Joanou avec Alec Baldwin dans le rôle principal.
Dans la brume électrique est donc l'adaptation de In the Electric Mist with Confederate Dead publié en 1993, l'un des romans les plus fameux de Burke.
Tommy Lee Jones prend cette fois-ci les traits de l'inspecteur Robicheaux tandis que le reste du casting rassemble bon nombre d'acteurs américains émérites tels que John Goodman, Peter Sarsgaard ou encore Ned Beatty.

La volonté première de Tavernier est de retranscrire avec le plus de fidélité possible l'univers particulier du roman de Burke. Il s'agit pour lui de transposer aussi bien l'ambiance mystique et métaphysique du roman que d'y inscrire un réalisme moderne qui sied au lieu dans lequel se déroule l'action.
Pour ce faire il s'imprègne de l'atmosphère de la Louisiane en compagnie de Burke qui le guide et lui fait rencontrer les gens du coin.
Il va même jusqu'à prendre le shérif, son adjoint et le coroner de New Iberia, lieu où se déroule le tournage et l'action, comme conseillers techniques sur le film tant le souci de crédibiliser l'histoire est présent dans la pensée du réalisateur.
Dans la même veine, un grand soin est apporté quant à la création de la trame sonore du film afin de retranscrire avec perfection la musicalité du bayou de Louisiane, ses chants d'oiseaux, ses bruits marécageux, ses bruits d'animaux, et de participer ainsi à l'émotion et au rythme du film.

Toujours dans cette optique, Tommy Lee Jones propose rien de moins que Buddy Guy, l'un des plus grands guitaristes de blues du monde et natif de Louisiane, avec lequel il est ami de longue date pour incarner "Hogman", un personnage clé de l'histoire également musicien de blues rendant l'immersion dans ce pays encore plus sensible.
Pour illustrer visuellement cet univers, Tavernier fait appel à Bruno de Keyser, chef opérateur français avec qui il avait déja travaillé sur La vie et rien d'autre en 1989 où encore Un dimanche à la campagne en 1984 ce qui valut d'ailleurs à ce dernier respectivement une nomination et une victoire aux Césars.
C'est encore Tavernier qui en parle le mieux : "Je voulais travailler avec un chef opérateur français et cela faisait longtemps que j'avais envie de refaire appel à Bruno de Keyzer. Cela l'excitait beaucoup de tourner un polar dans les Bayous et de préserver cette notion de luxuriance et de couleurs saturées, tout en créant une atmosphère de film noir en Scope. On a donc préalablement défini la lumière pour chaque scène, même si on a ensuite dû s'adapter aux changements constants de luminosité de la Louisiane".
En résulte un travail d'image magnifique autant pour ce qui est d'accompagner le paysage marécageux, sa "brume électrique" et sa beauté sauvage que pour se plonger dans une atmosphère lugubre et noire liée à la trame narrative.

Bertrand Tavernier et Tommy Lee Jones entourés de l'équipe de tournage.

Meurtre dans le Bayou de Louisiane.

John Goodman est il véritablement un homme bon ?

Buddy Guy et Tommy Lee Jones.
La Louisiane ? Un pays pour le vieil homme ?

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Ou lorsque la surenchère vient altérer notre plaisir...

Trois ans après le succès d'OSS 117, Le Caire nid d'espions, une suite s'imposait. OSS 117 : Rio ne répond plus déboule sur nos écrans avec la ferme intention de faire plus fort, d'aller plus loin, et de renouveler la franchise en situant l'action douze ans plus tard. La nouvelle mission d'Hubert Bonisseur de la Bath, dit OSS 117, l'espion français le plus célèbre qui soit *ahem*, consiste à faire équipe avec la ravissante Dolorès, lieutenant-colonel du Mossad, afin de mettre la main sur un dénommé Von Zimmel, un maître chanteur nazi détenant un microfilm prouvant l'implication de hauts dignitaires français quant à leur collaboration avec le régime nazi durant la Seconde guerre mondiale. Une mission à haut risque qui entraînera l'agent le plus maladroit de la planète en Amérique du Sud, des plages dorées de Rio aux verdoyantes forêts amazoniennes.

La presse est unanime, ce second volet de la saga des OSS 117 est supérieur en tout point à son aîné. C'est peut-être faire trop d'honneur à un film dont les défauts sont aussi nombreux qu'ils sont conséquents, mais dont les qualités sont tout autant indéniables et salutaires. À commencer par son esthétique soignée, preuve d'un effort considérable pour nous plonger dans l'ambiance des sixties, avec des références visuelles à foison qui témoignent d'une véritable volonté à jouer avec les codes du cinéma d'époque. Le directeur de la photographie Guillaume Schiffman a dû s'en donner à coeur joie, et son travail s'en ressent. Moins brillant, le rendu visuel du Christ du mont du Corcovado, entièrement reconstitué infographiquement en studio à Arpajon. Le budget, estimé aux alentours de 20 millions d'euros, n'a semble-t-il pas été suffisant pour offrir des effets spéciaux de qualité.

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• Fast and Furious 4, plein gaz. Première semaine d'exploitation, déjà le million d'entrées. Une pole position qui n'étonne guère avec le retour des personnages du premier opus. Dommage que Rob Cohen n'ait pas fait son retour aussi, car malgré son loupé avec La Momie : la tombe de l'Empereur Dragon, il n'a pas son pareil pour passer de la 2nde à la 6ème en un temps record.
• Safari dépasse également le million d'entrées, et se positionne en seconde position du box office cette semaine, avec une baisse de fréquentation peu importante. L'effet Kad ?
• Prédictions suit le rythme et se maintient dans le haut du panier, même si le film d'Alex Proyas est loin de faire l'unanimité. En espérant beaucoup mieux de lui la prochaine fois.
• Les vacances scolaires permettent à Monstres contre Aliens de garder le cap, avec quasiment le même nombre de spectateurs d'une semaine à l'autre. Avec 628 431 jeunes zouaves, le film de DreamWorks fait un bon parcours même s'il est très loin des chiffres des plus grands succès du studio sur notre territoire.
• De bons débuts pour Erreur de la banque en votre faveur malgré la concurrence de poids (Coco pour ne citer que lui) et malgré un résultat en deçà de celui obtenu par Ah ! Si j'étais riche, première réalisation de Michel Munz et Gérard Bitton.
  
• Avec ses 248 029 rêveurs, Ponyo sur la falaise est dans la lignée des autres résultats obtenus par les longs métrages estampillés Miyazaki. Un score plus qu'honnête au regard du peu de salles exploitant le film en France (251 en total)

• Petite entrée en matière pour Villa Amalia, dont les critiques dithyrambiques n'ont pas suffi à attirer davantage les foules. Nous ne l'avons pas encore vu à CinéBlog, mais ceci n'est qu'une question de temps !
• Sacré bide pour le dernier Frears, Chéri et ses 133 modestes copies n'ont pu convaincre que 90 899 spectateurs de venir constater à quel point Michelle Pfeiffer est du haut de ses 51 ans une femme toujours aussi radieuse. C'est Astraal qui ne va pas être content ! (Miaouuuu !)
• Juste derrière, à la quatorzième position, Dragonball Evolution et ses 87 609 malades mentaux pour un total de 264 373 fous à lier. Triste adaptation pour le plus grand manga de tous les temps. On dit merci qui ? Merci Oncle Sam !
• Les enfants sont peut-être en vacances, mais ils ont l'air d'avoir beaucoup mieux à faire que d'aller voir La Véritable histoire du Chat botté (16ème) ou Le Monde merveilleux d'Impy (18ème). Perso', je les comprends ! (on a toujours plein de devoirs en plus, durant cette période...)

Il est des douleurs que le temps et les longues séparations n'estompent pas. Des tragédies que l'on tente d'ignorer, une souffrance que l'on mêle à son quotidien jusqu'à en mimer le bien-être quand tout n'est que poussière et cicatrices profondes. La famille de Rachel vit avec le poids d'un drame qui toumente les âmes et déchire les coeurs. À l'extérieur, c'est une heureuse famille recomposée avec le retour à la maison de Kym qui s'apprête à fêter un heureux évènement. Mais à l'intérieur, tout n'est que désolation et tristesse, les conflits latents se manifestent jusqu'à pointer vers un unique évènement. Un accident que l'on évite soigneusement d'évoquer, mais pas Kym qui, après avoir connu des mois d'enfermement en suivant une cure de désintoxication, en a assez de ce silence pesant où tous conspirent à sourire quand tout ne se prête qu'à maudire.

Il n'y aura pas de Deus Ex Machina, c'est au forceps que les non-dits seront arrachés, tantôt du bout des lèvres, tantôt dans un flot de hurlements. Parfois dans les larmes. Et le spectateur dans tout ça ? Jonathan Demme prend bien soin de lui laisser le temps de comprendre ce qui ronge cette famille malheureuse réunie pour un instant de bonheur, un mariage qui prend très vite des allures de règlements de compte. Au centre de toutes les vicissitudes, une Anne Hathaway bouleversante de vulnérabilité dont la nomination aux derniers Golden Globes et aux Oscars n'est pas déméritée. Elle livre une prestation étonnante, interpétrant un personnage explosif au caractère à fleur de peau qui refuse que l'on éponge sa peine à sa place. Elle veut parler, elle veut qu'on l'entende. Elle aime, elle souffre, elle vit avec le pêché et les remords, elle veut que cela se sache, mais personne ne l'écoute. Ni son père, protecteur et gardien du sceau familial, ni sa soeur, cachant derrière ses doléances logorrhéiques une haine pleine de tendresse.

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Il est de notoriété publique que la franchise Fast and Furious soit l'un des apports culturels les plus important de ces dernières années.
Vin Diesel, poète des temps modernes, fait donc son come back dans ce nouvel opus et porte à bout de bras un scénario d'une grande complexité : Vin Diesel est recherché par la police; il conduit des voitures; il n'est pas content.
Et là vous me direz que ça ne change pas beaucoup de d'habitude. Et bien en effet, vous n'aurez pas une grande surprise en découvrant ce film qui est tout à fait dans la lignée des trois autres.
Au niveau de l'histoire, de l'absence d'histoire ou des deux, il semblerait que Fast and Furious 4 se situe après le 2e opus et avant le 3e et je dis bien semblerait parce que ce point reste bien flou.

Pour ce qui est des points négatifs du film, est-il réellement nécessaire et possible de tous les passer en revue ? De la mise en scène ultra-clippée qui rend nombre de scènes d'action peu compréhensibles à l'histoire ultra-simpliste qui parvient malgré cela à être parfois brouillonne, du jeu des acteurs souvent inexistant à la persistance des "auteurs" à nous infliger des images vues et revues comme des gros plans et travellings sur des arrière-trains bien carrossés de jolies filles et de belles voitures, il est clair que les producteurs de la série prennent une nouvelle fois le parti de divertir de la manière la plus bête et basique qui soit sans autres préoccupations artistiques que celle de rapporter des sous !

Baboulinet pas content ! Quoi ? vous ne connaissez pas Mozinor !

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